Totalmente un cajon desastre

(descubrimientos visuales)

2009-03-20T10:10:00.000-07:00

Dejo la camara a Marina (7 años)
delimito su espacio a una habitación
hace estas fotografías

Daños colaterales

2009-01-13T11:34:00.000-08:00

Es como aquellas historias de superación. O quizá sea todo lo contrario. Uno de esos momentos en los que no sabes muy bien que haces, has perdido la noción del tiempo, hacia donde ibas, de donde vienes y te dices: hoy no sigo, hoy no!
y disparas fotografías a diestro y siniestro buscando muy bien que te ha hecho parar, esperando una respuesta, algo que te ayude a descifrar el jeroglífico que tu mismo has creado en cuestión de segundos, minutos o quizá horas.

Fotografia: Christian Carrillo

Noches de verano

2009-01-09T07:14:00.000-08:00

Fotografia: Christian Carrillo

Nietzsche y mi Ariadna

2008-12-16T06:46:00.000-08:00

Dicen que sólo existe un elemento o ente imperecedero e indestructible. Indestructible y, a la vez, altamente destructible. Este elemento es el tiempo, y eso es fotografía, detener el tiempo, crear una forma irreverente de inmortalidad. Una pequeña guerra contra el olvido en el que vamos a caer. Los edificios se construyen con fuertes cimientos, para que sean eternos, para que nos protejan, para desarrollarnos en ellos. Lo que no sabemos es que los edificios caen y con ellos nosotros, lo único que verdaderamente nos hace libres, des da alas, des hace inmortales es el olvido.

Lo que no ha existido no puede ser olvidado. No hay pena, no hay gloria, no hay risas, ni llantos, no hay dolor, y, tampoco, hay amor. Sólo quedan posibilidades, volver a empezar, ver que todo es posible, que el mundo está bajo nuestros pies si nos volatilizásemos por el cielo. Si el tiempo tiene el poder de destruir, el cielo tiene el poder de construir. Es el cielo una autopista abierta hacia los nuevos proyectos, hacia lo que podemos ser, lo que queremos ser. El cielo no juzga, es puro, blanco, eterno, sólo en un campo tan abierto como el cielo, que nos abarca a todos y lo abarca todo, seremos capaces de convertirnos en lo que verdaderamente somos, sin mas reflejo que nuestra propia imagen interior.

Paul McCartney escribió “Hey Jude” tratando de decirnos que todo vuelve a empezar, que cuando una historia acaba nosotros escribimos otra, creamos otra melodía. Podemos convertir esas melodías, esa letra de nuestra vida, en el amparo de nuestros días, en lo que nos rodea y envuelve. Pero siempre permaneciendo libres, capaces e independientes, sabiendo que, como ya dijo Paul, “todo se borra y se vuelve a escribir”.

Cuando un edificio cae se construyen tres semejantes a su alrededor. Es la continuidad. Todo está creado, y todo está por reinventar. Hay quién verá en esto una repetición de lo ya vivido, y hay quién verá nuevas maneras de desarrollarse, de cambiar. De crecer y aprender. Aprovechar lo que ya conocemos para hacerlo diferente bajo la compañía de cuervos negros, que según cómo y quién los mire, son o no, una grata compañía.

Rave.1.Naturaleza muerta.

2008-12-02T15:41:00.000-08:00

Y llegado el momento de nubarrones y tormentas, de refugios entre la paja de algún molino jamás soñado darse cuenta que no es el destino lo que cuenta, sino el camino, que todos ellos llevan a Roma, pero que no todos son en primera clase, y que mas da si lo empezaste tu o cualquier otro desconocido, lo importante es que tu lo continuas, que no todo es rosa, por que a veces la vida es mas tirando a violeta, que estar no implica sentir y viceversa, que los sueños no son mas que una simple meta alcanzable, y que llegados al final, si es que se llega, ver que no todo era como pensábamos, como habíamos imaginado, pero darnos cuenta que Roma es mas bella de lo que dicen, que el camino quizás no fuese cómodo, pero fue nuestro, que el color violeta en su mezcla lleva rosa, y que los sueños ya no existen por que ahora tenemos vivencias que los dejan atrás, y todo esto recordando que una vez alguien nos dijo, sin sentido y con pesar, caminantes no hay camino.

Posibilidades

2008-11-29T10:55:00.000-08:00

Hablamos de la imagen de lo real, de la huella, de la trasformación. De lo mucho que cambia la utilización de un plano u otro. De la buena o mala iluminación. Del sentido estético, del sentido emocional. Hablamos de fotografía. Hablamos de nosotros mismos. Esa es la historia de todo esto, jugar con nosotros, con la fotografía, hacerla nuestra. Jugar y más jugar. Trasformando, dejando huella, mostrando lo real, todo ello. Nuestra mejor baza.

Fotografía: ChristianCarrillo

Comenzamos

2008-11-29T10:46:00.000-08:00

Empezar de nuevo. Volver a la rutina y a las obligaciones. Encerrarse horas y más horas en un estudio. Frente a un ordenador. Entre focos e ideas. El verano es, para mi, sinónimo de recapitulaciones, de pensar, de crecer y de idear. Horas y más horas de viaje en tren, en coche o en avión, un paisaje por la ventana. Todo nuevo. Mucho por descubrir. Y un invierno largo, frió, lleno de luces para llevarlo todo a cabo. Largos y provechosos inviernos, comenzamos de nuevo.

Fotografia: ChristianCarrillo

Patrick Demarchelier

2008-09-05T08:34:00.001-07:00

Patrick Demarchelier (n. El Havre, Francia, 21 de agosto de 1943) es un fotógrafo de modas francés.
Demarchelier ha vivido en la ciudad de Nueva York desde 1975. Se casó con Mia, con quien tiene tres hijos.
Desde fines de los años 1970, sus fotografías han adornado la portada de importantes revistas de moda, incluyendo Vogue en sus ediciones francesa, británica y estadounidense. También ha colaborado con las revistas Rolling Stone, Glamour, Life, Newsweek y ELLE.
Además de las editoriales, ha participado en diversas campañas publicitarias, como la del champú Farrah Fawcett en 1978 y la muñeca Brooke Shields en 1982.
Demarchelier fue el fotógrafo principal del libro On Your On, una guía de belleza dirigida a mujeres jóvenes escrita por Brooke Shields.
Fue el fotógrafo oficial de Diana, Princesa de Gales, luego de fotografiarla por primera vez en 1989. Además, fue el primer fotógrafo extranjero en retratar a la Familia Real Británica.
Entre los años 1992 y 2004, fue el fotógrafo principal de la revista Harper's Bazaar.
Demarchelier fue el encargado de retratar a varias modelos para el calendario Pirelli en el 2005. Al año siguiente, fue mencionado en la película El diablo se viste de Prada.

Jim Goldberg

2008-09-05T08:27:00.000-07:00

Jim Goldberg está considerado como uno de los fotógrafos más respetados hoy en día. El trabajo fotográfico que ha hecho sobre varias culturas marginales y el uso de la mezcla de texto e imagen es algo novedoso en el campo de la fotografía. Su trabajo ha estado publicado en las revistas George, Esquire, Gear, Colours, Dazed and Confused y Nest. Ha expuesto internacionalmente a lo largo de los últimos veinte años. Sus libros incluyen: Sublime Intent and In Between, Tom Bonauro with Jim Goldberg (1985); Rich and Poor (Random House, 1985); Hospice: A Photographic Inquiry (Bulfinch, 1996); Raised by Wolves (Scalo Publications, 1995) Goldberg ha recibido varios premios y becas incluyendo en National Endowment for the Arts y los Guggenheim y Gerbode Fellowships. En 2004 recibió el Premio de Hasselblad y el Art Council Award.

Chema Madoz

2008-09-05T08:23:00.000-07:00

José María Rodríguez Madoz nace en Madrid, en 1958.
Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid que simultanea con los estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1985.
En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos.
Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha.
En 1991 el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía muestra la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que itinerará por varios países. Algunas fotografías de Madoz forman parte de esta exposición.
Ese mismo año recibe el Premio Kodak.
En 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto. La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro "Chema Madoz (1985 - 1995)".
Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista. El libro se titula "Mixtos - Chema Madoz".
En 1999 el Centro Galego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual "Objetos 1990 - 1999", que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.
En el 2000 el fotógrafo madrileño recibe el Premio Nacional de Fotografía de España. Ese mismo año la Bienal de Houston Fotofest le reconoce como "Autor Destacado". Su obra sobrepasa nuestras fronteras llegando no sólo a la ciudad norteamericana sino también hasta el Chateau d´Eau de Toulouse (Francia).

Extracto de una conversación mantenida con Chema Madoz en abril de 2001
La Técnica
Me interesa en cuanto me permita acceder a los resultados que deseo. Luego de alguna forma hay que olvidarla, no tenerla presente.
Las Cámaras
Empecé a trabajar con una reflex 35mm, una Olympus que tuve durante 4 años hasta que me compré una Nikon F3. Después compré una Bronica para iniciarme en el formato medio. Ya había tenido antes una cámara Mamiya de 6 x 6 cm. del tipo de dos objetivos, que funcionaba bien, tenía un fuelle que permitía macro pero era muy difícil trabajar con ella porque al acercarte no veías lo que fotografiabas. Finalmente me decidí a comprarme una Hasselblad, que es con la que llevo trabajando hace ya diez años.
La Luz
Prácticamente todas mis fotografías son tomadas con luz natural. Yo creo que va evolucionando el uso que haces de la luz, aunque siga siendo luz natural. Sabes sacarle más partido. Sólo introduzco algo de luz artificial en los casos que he fotografiado una lámpara como parte del objeto o para darle un toque especial a algún detalle.
El Estudio
El estudio es algo que tengo desde hace relativamente poco. Realmente fue más por la comodidad de poder trabajar en varios proyectos de fotos a la vez. En mis primeras series trabajaba en la calle, después empecé a trabajar más con objetos y fotografiarlos en algún rincón de mi casa con luz natural de ventana. Se ve una relación entre los medios de que disponía y los tipos de fotos que construía. Trabajando en el estudio sí he notado mucho que disponer de un espacio de taller amplio me permite avanzar más rápido y cómodo. Puedo tener varias ideas en marcha e irlas depurando.
Fotógrafo o escultor
Me sigo considerando fotógrafo. La construcción de la mayoría de mis objetos está resuelta de mala manera… Bueno, me explico, quiero decir que están construidos para ser fotografiados. No tienen empaque, ni una presencia cuando los ves físicamente. No hay un acabado maravilloso, solo un aspecto de ellos que vas a fotografiar es lo que funciona. Sacados de ese contexto funcionan en contadas ocasiones. Alguna vez también me ha ocurrido lo contrario: un objeto que es muy atractivo y que no funciona al ser fotografiado. Sin embargo, lo normal es justo el caso contrario.

Desde hace tiempo Chema Madoz pinta ideas de plata. Con su trabajo abre espacios insospechados, formas de gran fuerza; y todo ello nos alcanza, porque nos recuerda siempre a algo y nos empuja a reflexiones sin límites. A través de sus fotografías avanzamos a comprender lo extraño de los atributos en las formas y los ciclos que de forma machacona se producen en la naturaleza. Desde la herencia de la funcionalidad artística de los objetos surrealistas, en donde la provocación racional unida al azar, provocaba un efecto poético, muchos han sido los artistas que han continuado con este ánimo conspirador, como Granell y Brossa. Sin embargo, Chema Madoz, se distancia de ellos trabajando desde la idea, desde lo intangible. Si bien necesita objetos para la realización de sus imágenes, estos desaparecen en la propia imagen. Sus obras tienen un carácter limpio cercano a las fotografías de Man Ray, con frecuentes cambios de escala, donde el poder evocador y poético resulta de la conjunción ordenada de elementos sencillos, sin apenas manipulación, y de la aparente inmediatez con la que se ha dispuesto el escenario para la acción.
Chema Madoz trabaja con el sentido de las cosas como si se tratara efectivamente de materia. La tarea de materializar el sentido es sin duda un ejercicio poético y, por ello, quisiera resaltar en primer término que se trata de una obra que produce una percepción esencialmente poética. Madoz utiliza los objetos y su representación gráfica como si fueran palabras de un vocabulario nítido. Analizando el azaroso mapa de señales que emiten las cosas desde el lugar que ocupan en el mundo, Madoz individualiza y desordena, confronta y manipula hasta conseguir mostrar un nuevo orden, una cara oculta del sentido, una nueva verdad simbólica que resalta por impacto el desorden de la lógica. Las cosas, los objetos, situados en un nuevo lugar, desnudos del entorno natural donde realizan su función, están ante la cámara emitiendo otras señales diferentes. Convertidos en signos están ahora literalmente hablando. O mejor, son imágenes que están literariamente hablando. Porque partiendo de la estética de la semejanza y la vecindad de referentes, Madoz desplaza el sentido natural de los conceptos a otras comprensiones explotando al máximo sus capacidades simbólicas y resolviendo su discurso con figuras y tropos de honda relación con el lenguaje: analogías, metáforas, paradojas o metonimias visuales que ofrecen al espectador un juego de percepción poética y le exigen una colaboración activa. La obra de Madoz tiene, por tanto, una amplia vecindad literaria. Sus composiciones se acercan al poema minimalista y a la contraposición de imágenes poéticas que produce una explosión metafórica que evocan a los haikus orientales.

Duane Michals

2008-09-05T08:19:00.000-07:00

Duane Michals,es un fotografo americano que acredita su fama y su singular mirada a la falta de educación formal como fotógrafo, un autodidacta, es uno de los máximos exponentes de la fotografía conceptual y filosófica.
De hecho, casi siempre sus imágenes se construyen como una reflexión metafísica sobre la condición humana, el sexo, el humor o la violencia, para la que se sirve de su propio cuerpo y su rostro. Sus comienzos revelan la gran influencia de Atget en la fotografía norteamericana con escenarios recurrentes como los restaurantes, salas de espera o recepciones de hotel, pero en 1966 comienza a hacerse con un estilo propio y único a través de la técnica de la secuenciación: una sucesión de fotografías como forma de contar historias con, incluso, un desarrollo temporal. Una técnica que perfiló aún más en sus trabajos a mediados de la década de los 70 al incluir pequeños manuscritos en las copias para reforzar su significado.

En el PhotoEspaña 2001, cuarta edicion, ha sido reconocido con el galardón más importante de este Festival Internacional, por su "vocación indagatoria" del alma humana y su "raigambre existencia".
Este premio tiene como objetivo galardonar a autores internacionales que han asentado las bases de la fotografía y han marcado un antes y un después en este arte como Josef Koudelka. Duane Michals siente tanta pasión por los cuentos como por el cine. Siente un gran entusiasmo por Borges y por Truffaut, por un mundo, en definitiva, en el que lo importante es la idea, no la imagen.
Nacido en Mckeesport, Pensilvania EEUU en 1932, Duane Michals propone una estetica que coquetea con el surrealismo de Magritte, con un universo que se sitúa en la frontera entre la realidad y la ficción. "Me gusta la ironía", afirma Michals, quien a sus 69 años conserva un envidiable sentido del humor. En su próxima exposición, que se inaugurará el próximo otoño en Nueva York, ridiculizará, según dice, a todos sus colegas más pretenciosos. "Los artistas de hoy, que tienen ideas de una envergadura muy corta, necesitan grandes formatos para simular que están haciendo algo interesante. Los que tienen ideas brillantes pueden trabajar perfectamente en formatos reducidos porque sus ideas relucirán con intensidad.
Vivimos en una sociedad completamente estúpida, donde se valora más la imagen que la idea", explica Michals. El destino metalúrgico depositó en Pennsylvania a su padre acerero y a su madre asistenta doméstica, por lo que su interés por el arte sorprendió a propios y extraños de una comunidad de emigrantes checos de clase media. A los 14 años Duane Michals tuvo claro que ni el acero ni la limpieza serían el destino de su existencia, y a los 17 pasó semanas ahorrando para comprarse su primer libro de poesía. Hojas de hierba de Walt Whitman. En 1953 se graduó en Bellas Artes en la Universidad de Denver y después pasó dos infernales años como teniente de la armada. Al salir de allí se dirigió a Nueva York con la intención de convertirse en diseñador estudiando en la Escuela de Diseño Parsons, estudios que abandonó un año después para dedicarse a varios trabajos publicitarios que se le presentaron en Madmoiselle, Esquire y un puesto de diseñador en la revista Time.
En 1958, un viaje de tres semanas por la Unión Soviética y una cámara prestada como acompañante cambiaron a Duane Michals para siempre. Fue ésta, tras la de Whitman, la segunda y definitiva revelación que desembocaría en el futuro de la emoción fotográfica que hasta hoy ha desarrollado este fotógrafo que es hoy considerado como uno de los más importantes artistas de este arte de todo el siglo XX. las primeras series que realizo, como anteriormente se nombro, fueron influenciadas por el trabajo de Atget, con vistas de restaurantes, salas de espera y vestibulos, a las que dio el nombre de"Empty New York". Para poder fotografiar y explorar a través de la fotografía las facetas de sus muy personales emociones, Michals tenía que ganarse la vida haciendo fotografía comercial. Duane ha fotografiado todo, o casi todo. Desde portadas para la revista Life; desplegables de moda para Vogue; reportajes anuales para el New York Times, hasta campañas de publicidad para Gap y Microsoft. Incluso se aventuró en la fotografía y diseño la portada del album Synchronicity de The Police.
Fabrica la realidad antes de mostrarla subjetivamente Cuando Michals toma la cámara para dejar la publicidad de lado, se apodera de él el impulso de la intriga, y la inspiración para hacer de la fotografía la visión de sus sueños, temores y deseos. Empleando la técnica de la doble y triple exposición, y escribiendo textos o pintando directamente sobre el papel fotográfico. Michals consigue un estilo entre lo surreal y lo cinemático. No en vano, tiene entre sus ídolos y fuentes de inspiración a Magritte, De Chirico y Balthus, a quienes se ha encargado también de inmortalizar con gelatinas de plata. Fue muy criticado en los 70 por demostrar que la fotografia era un medio para fijar relatos muy interiores en vez de objetos bellos. Su serie Sequences de finales de los sesenta y principios de los setenta contiene dos de sus aportes más reconocidos e importantes a la fotografía. Es un trabajo con secuencias de imágenes (entre 5 y 15 por obra).
Es un esfuerzo experimental para contar una historia en la que la realidad nunca está presente, siempre va arrastrada por el tiempo. El resultado son obras enigmáticas, casi ilustraciones de fantasías oníricas donde el tiempo, insertado entre los lapsos de las secuencias, recubre de incertidumbre el sentido de su sucesión. Esto, y la inclusión de textos y pintura, supuso no sólo su consagración como autor sino que se convirtió en punto de referencia obligado al hablar de la capacidad narrativa de la fotografía. "Quien ve mis fotos ve mis pensamientos" es una declaración de principios por parte de Michals pero también una sutil llamada a la complicidad con el espectador.
Con la sucesión de imágenes que constituyen una secuencia, Michals consigue desarrollar discursos sobre todo metafísicos, apoyándose en escenarios desnudos. A quienes le han acusado de servirse de esta técnica para desfogarse de su deseo de hacer cine, Michals les responde que las fotosecuencias son al cine lo que la poesía a la novela: una sintaxis completamente diferente. Su trabajo ademas de ser influenciado por el surrealismo tambien fue por el budismo Zen. A René Magritte lo fotografio varias veces. Fue una serie realizada en una visita de varios días a su estudio en Bélgica. La incisiva mirada de Michals penetra en el ámbito privado del famoso pintor dando como resultado una extraordinaria sintonía visual con el universo personal y simbólico de Magritte. Sus imágenes tratan de fantasias eroticas, humoristicas, muchas veces violentas,de ocurrencia espontánea, utilizaba luz natural y muy poco equipo tecnico. En ocasiones sus imágenes son borrosas que insinuan historias fantasmales, espiritualidad, enfatizaban lo oculto, lo misterioso.
"La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otros colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños. Lo que pasa en la calle actualmente es demasiado estúpido como para prestarle atención".

Barbara Kruger

2008-09-05T08:16:00.001-07:00

Barbara Kruger tiene una forma "muy personal" de contar las cosas. Produce unas fotografías muy características en blanco y negro, combinadas con textos lapidarios. El género es uno de los principales enfoques de la artista, junto con lo político y lo social. Kruger concibe un sujeto construido por las fuerzas sociales: son las redes de relaciones, la posición de unos sujetos respecto a los otros los que definen al individuo. Para Kruger el poder se impone a través de la imagen, ella sostiene que la sociedad está controlada por los códigos dictados por los medios de comunicación, hasta el punto de que las experiencias vividas en ocasiones se reducen a la imitación de aquellos clichés asentados en nuestra memoria.Su obra parte por tanto del estereotipo. Para implicar al observador y despertarlo, nos hace conscientes del "tipo" que hemos aceptado a partir de la visión y el efecto dominante que ejerce en nuestra cultura para pedirnos una reacción. Si lo consigue es gracias al dominio del mundo de la imagen adquirido durante sus primeros trabajos como diseñadora gráfica, que ella considera su mayor influencia. Durante este periodo aprendió la manera de captar la atención del observador con un mínimo de signos, posteriormente sólo tenía que manipularlos en sentido inverso y añadirle un texto contundente. La obra "You are not yourself" es paradigmática de su forma de trabajo; una imagen tomada del cine y fragmentada nos recuerda con un texto radical la falta de unidad de nuestra identidad, nos cuestiona interpelándonos directamente a través de ese "you".

J.H.Lartigue

2008-09-05T08:11:00.000-07:00

Jacques Henri Lartigue comienza con siete años fotografiando todo lo que se mueve,todos sus juegos y los de sus hermanos y amigos.
Se valora su espontaneidad,sinceridad;sus fotografías reflejan un mundo apacible,mostrando personas que se divierten o juegan.Con el tiempo sigue fotografiando todo lo que le atrae:los automóviles,aviones,bellas damas que pasean,etc
Simpre consideró la fotografía como una dedicación de segundo nivel,ya que se sentía pintor,pero aun con esto,ha sido reconocido mundialmente por sus fotografías.Siguió haciendo fotos durante toda su vida,y siempre con la misma mirada.

Paul Strand

2008-09-05T08:06:00.000-07:00

Paul Strand, hijo de inmigrantes de Bohemia, nació en Nueva York el 16 de Octubre de 1890.Su padre le regaló la primera cámara cuando tenía 12 años.Dos años más tarde asistiría a la Escuela Superior de Etica, y gracias a Lewis Hine, que en aquel momento estaba realizando fotografías de los inmigrantes que llegaban a Ellis Island, y que lo puso en contacto con el grupo Photosecesion, conoció a Alfred Stieglitz, que fue un gran valedor de su trabajo.En 1911, después de graduarse abrió su propio estudio.Ya desde sus inicios lucha contra la tradición de los pictorialistas, de usar la fotografía como el método más rápido de llegar al mismo sitio que la pintura.Observa lo que pasa a su alrededor.Se interesa por el cubismo y se impregna de sus fines.Sus imágenes de gente de la calle son un preludio de lo que la fotografía sería a partir de entonces: escenas improvisadas que son un acercamiento al retrato psicológico.En 1916 sus fotografías aparecieron en la revista Camara Work y Stieglitz escribió sobre él diciendo que era sin ninguna duda el fotógrafo más importante que había aparecido en ese país desde Alvin Langdon Coburn.Llegó a decir de él que era la "expresión directa de nuestro tiempo".En 1917 publicó una serie de imágenes tomadas desde ángulos poco convencionales que ponen de relieve el interés de Strand por le individuo y su relación con la geometría de los edificios de arquitectura moderna.Gentes vigorosas, pese a su escaso tamaño, al lado de las elevadas construcciones.En algunas de sus primeras fotografías se atisba un interés por un tipo de encuadres que obligan al observador una actitud activa.Grandes vacíos que debe de llenar la imaginación.Su actitud a lo largo de su vida fue la de un gran observador. Ya estuviera en Francia o Ghana su obsesión por la visión siempre estaba presente.Entre 1917 y 1923 escribió mucho sobre este tema y mostró su admiración por las imágenes puramente inmediatas de Alfred Stieglitz.Se oponía al presente mecanizado y utilitarista proponiendo una vida más contemplativa en comunión con la naturaleza.Por otro lado mostraba un gran respeto por las cosas tal como eran: "Observa que cada objeto, cada hoja de hierba, se tiene en cuenta y se usa, que todas las cosas se aceptan plenamente unas a otras".Gran ejemplo de esta actitud es su fotografía The White Fence.Una escena aparentemente sencilla, pero donde los tablones del primer termino de una valla, aparentemente iguales, están desgastados de forma diferente.En 1925 realiza la película Manhattan, con Charles Sheeler, presentada en el Capithol Theatre de Nueva York bajo el titulo New York de Magnificent, y posteriormente en The Wave (1933).En 1933 comenzó a ejercer como director del departamento de fotografía de la Secretaría de Educación de México y bajo su influencia se fundo el grupo f/64 de fotógrafos estadounidenses de la costa oeste tales como Imogen Cunningham, Edward Wenston.En la época de la gran depresión Strand participó activamente en política y en 1935 viajó a la Unión Soviética donde conoció al director de cine Eisenstein.De vuelta a EEUU comenzó a producir documentales sociales y junto a Berennice Abbot formó la Photo League en Nueva York con el propósito de crear una prensa radical con fotografías de las actividades de los sindicatos de trabajadores y de las protestas políticas.En 1945 el MOMA de Nueva York presentó una exposición monográfica de Paul Strand.En los años 50 y 60 viajó por Francia, Italia, Egipto y Ghana, entre otros pises, produciendo una serie de libros de fotografía.En las dos últimas décadas de su vida recibió numerosos premios y honores y su obra se exhibió por multitud de sitios.Murió en Orgeval, Francia, el año 1976.Fotógrafo limpio y directo.Sin mentiras.Sencillo y con gran sentido del espacio y del ritmo, se apoya en un equilibrio entre formas y volúmenes donde el ser humano se hace su hueco con fuerza.En sus retratos llenos de pureza, con un estilo documental casi sociológico, los personajes son retratados, sin tener en cuenta su condición, con un gran respeto al individuo y evitando aspectos sórdidos.Los dignifica y ennoblece con sensibilidad y afecto sin caer en la sensiblería.Son retratos donde se respira cierta tranquilidad y sosiego.No agobia.Es una lucha sin enemigos.Estos individuos serenos, no rehuyen la mirada al frente.Son ellos mismos.Hablan de sí y de su mundo.

Julia Margaret Cameron

2008-09-05T08:02:00.000-07:00

Considerada una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylan el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India), en el seno de una familia de diez hermanos. Hija de escocés y francesa pertenecientes a la sociedad bengalí fue educada en Francia hasta los 19 años, donde regresó de nuevo a la India.A los 21 años conoció a Sir. John. Herschel quien más tarde implantó los términos (positivo - negativo y fotografía), y autor del descubrimiento de las propiedades del tío sulfito como fijador. Siendo Sir. John Herschel el asesor fotográfico de Cameron.Casada con un hombre veinte años mayor que ella, excelente jurista y plantador de té, vivió en la India hasta los treinta y tres años, depués se trasladó con toda su familia a la Isla de Wight, en Inglaterra.Tuvo seis hijos y otros adoptados, por este motivo vivía en un gran caserón, que siempre se encontraba lleno de poetas, artistas y científicos de la época victoriana.Cuando contaba ya con cuarenta y ocho años, y a causa de un viaje de su marido, su hermana la regaló una cámara para paliar la soledad por la ausencia de su marido.Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía. Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de niños en su estudio, y se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,... obligándoles en muchas ocasiones a posar largos períodos de tiempo debido a las investigaciones que llevaba a cabo con la luz y las placas.Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración en sus convecinos, recibiendo grandes felicitaciones por sus interpretaciones.Henry uno de sus tres hijos abrió un estudio fotográfico en Londres. En 1863 su hija le regaló su primera cámara fotográfica construida en madera con un objetivo de la marca Jamin y equipo de revelado, gracias a la asistencia de John Herschel en pocos meses domino el proceso al colodión.Margaret Cameron, falleció en 1879.

Retrato

2008-09-05T08:00:00.000-07:00

Reportaje documental: SOS 4.8

2008-09-05T07:32:00.000-07:00

Proyecto personal: Cohen for BerlinStreet

2008-09-05T07:17:00.000-07:00

Fotografía ficcionalizada: Autores de referencia

2008-09-05T07:00:00.001-07:00

CINDY SHERMAN

La obra de Cindy Sherman supuso la fulgurante reanimación de la fotografía escenificada a finales de la década de los setenta. En 1977 logró conquistar a un amplísimo público con sus Untitled Film Stills, 69 tomas en blanco y negro de pequeño formato que mostraban a la artista en distintos roles femeninos que recuerdan vagamente a las heroínas cinematográficas de las películas holliwoodenses de los años cincuenta . La serie ponía sobre l tapete lo limitado e intercambiable de los estereotipos masculinos sobre la feminidad así como su reduplicación mediática a través del cine y la televisión.
Con la aproximación a lo absurdo y lo grotesco la obra posterior de Sherman ha hecho suyas determinadas tradiciones de la fotografía surrealista que van de Hans Bellmer a Claude Cahun. A lo largo de las tres últimas décadas la artista ha desarrollado un complejo juego de roles de inquietante intensidad que plantea en diferentes contextos la cuestión de la fijación de la identidad femenina en la sociedad.
En los años ochenta y noventa del pasado siglo sus representaciones de violencia y sexualidad ( para las que se valía de diferentes máscaras y prótesis´), dieron pie e no pocas controversias. La estética feista propugnada por Sherman se vio intensificada con una serie de fotografías de marcados acentos pictóricos en los que recogía a modo de bodegón , materiales como excrementos, mucosidades, sangre, penes protésicos, en una prefiguración de “plagas” contemporáneas como el SIDA o la anorexia.
En una de sus últimas series de imágenes “Untitled” / Clowns (2004que ahora se presentan Sherman vuelve a utilizarse a sí misma como modelo, Se trata de dieciocho instantáneas chillonas manipuladas digitalmente que muestra a la artista con diferentes carácterizaciones de payaso. A la ambigüedad tragicómica de sus diferentes carácterizaciones se añade con ellas la puesta en tela de juicio del papel del artista en la sociedad. Cindy Sherman parece preguntarse y preguntarnos ¿ Son los artistas hoy los bufones de la sociedad del espectáculo”.

ANNIE LEIBOVITZ

Pasó su infancia y adolescencia en diferentes ciudades de EEUU.Su primer contacto con la fotografía fue a través de álbumes de fotos familiares. Un poco más tarde, sus primeras referencias en materia de fotografía fueron Henri Cartier-Bresson y Jaques-Henri Lartigue. Comenzó en 1970 a estudiar fotografía en el Instituto de arte de San Francisco, ese mismo año tuvo su primer gran éxito como fotógrafa gracias a un portfolio que propuso a Robert Insburry, el director artístico de la revista Rolling Stone.Annie Leibovitz fue nombrada en 1973 fotógrafa jefe de esa revista, cargo que ocupó hasta su traslado a Vanity Fair, en 1983."Es divertido hacer fotos conmigo, algunas veces pongo a la gente en el barro y otras las cuelgo del techo" Así comentó una vez su propia manera de trabajar. Sus retratos de estrellas de la música, el cine y el teatro, del arte, la literatura o la política, seducen por su originalidad y el aspecto viviente de sus puestas en escena. La seriedad y la sobriedad no son el lado fuerte de sus retratos, por el contrario, ella introduce siempre en sus imágenes una cierta dosis de broma, humor e ironía.Gracias a la intensidad de su confrontación con la personalidad de sus modelos, la fotógrafa consigue hacerles adoptar las poses deseadas, no desprovistas de humor. "Cuando digo que me gustaría fotografiar a determinada persona, lo que quiero decir realmente es que me gustaría conocerla"

Fotografía ficcionalizada; "...y los verbos nacen muertos."

2008-09-05T06:52:00.000-07:00

Paisajes artificiales

2008-09-04T17:35:00.001-07:00

Paisaje trasformado. Autores de referencia.

2008-09-04T17:26:00.000-07:00

CHRIS JORDAN

EDWARD BURTYNSKY

JOHN DAVIES

CAIO REISEWITZ

XURXO LOBATO

El paisaje trasformado

2008-09-04T17:05:00.000-07:00

Anton Giulio Bragaglia

2008-08-29T06:25:00.001-07:00

Movimiento II

2008-08-28T17:33:00.000-07:00

Movimiento

2008-08-28T17:25:00.001-07:00

Ewolman

2008-08-28T17:16:00.001-07:00

Elliot Erwitt

2008-08-28T17:13:00.000-07:00

Robert Doisneau

2008-08-28T17:11:00.000-07:00

StreetPhotography

2008-08-28T16:25:00.000-07:00

Emociones visuales. Autores de referencia

2008-08-28T16:01:00.000-07:00

CARLOS CANAL - ROSA S. RAMIRO

ALFRED STIEGLITZ

NAN GOLDIN

Nan Goldin, artista estadounidense, renovadora de la fotografía documental y narradora de la escena contracultural de Nueva York de los años 70 y 80.Cuando empiezan los años 70, una adolescente Goldin se sitúa ya como una importante aspirante a fotógrafa que, según ella misma, se inspira en las revistas de moda.Es en su destino de vacaciones, Provincetown, donde Goldin encuentra a los que serian sus primeros modelos, siendo esta localidad muy popular entre los homosexuales de la Costa Este estadounidense.Con el tiempo Goldin se establece en Manhattan, en el barrio de Bowery, donde se encuentra con el estallido del punk y la aparición de decenas de impulsos contraculturales. Es en Nueva York donde encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Goldin, de hecho, se califica a sí misma como «fotógrafa documentalista».Para emprender esa narración, Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde dentro la vida de sus amigos: iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión, pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad... Para enfatizar el efecto narrativo, Goldin presenta esas imágenes en películas que muestran las fotografías sucesivamente.La más famosa de ellas se llama La balada de la dependencia sexual (título tomado de una canción de Bertolt Brecht), y ya muestra el efecto devastador del sida sobre esa generación en 1986. Una de sus series posteriores, La balada desde la morgue insiste en el mismo tema.Tanto es así que, poco después de presentar La Balada de la dependencia sexual en Europa, Goldin ingresa en una clínica de desintoxicación, donde sigue trabajando. Allí, el autorretrato se convierte en uno de los temas recurrentes de su obra. Más tarde, la fotógrafa rodaría un documental autobiográfico, I'll be your mirror, que toma su título de una canción de la Velvet underground.Poco después de salir de la clínica, en 1991, Goldin abandona los Estados Unidos y se marcha a Berlín para cuidar de su amigo Alf Bold, enfermo de sida. Desde entonces, la fotógrafa vive entre la capital alemana, París y Yale, donde es profesora.

ELINA BROTHERUS

Elina Brotherus, nacida en 1972, Helsinki, residente en París y Helsinki. Elementos fundamentales de sus obras: ella misma y los paisajes abiertos. Intimista. Melancólica. Reflexiva. Autobiográfica.Para Elina la fotografía es un instrumento de percepción y exploración de su propio mundo emocional. Tiene la fortaleza de ponerse delante de la cámara fotográfica justo en esos momentos en los que uno no está para nada. Su divorcio, sus fracasos, la soledad, el amor, el aprendizaje de un idioma, son acontecimientos transformados en imágenes de gran intensidad emocional.En el artículo Ordinary days nos explica algunas cosas:“Hice la serie Wedding Portraits (Retratos de boda, 1997) cuando me casé, Divorce Portrait (Retratos de divorcio, 1998) cuando me divorcié, y I hate sex (Odio el sexo, 1998) cuando tuve ese sentimiento. No estaba mostrando diversos papeles de la mujer, sino mi propia vida, e intentaba captar algo genuino y verdadero sobre ella en las fotos.” “Un factor crucial fue la sensibilidad para reconocer ‘momentos decisivos’ y reaccionar en consecuencia rápidamente. La cámara tenía que estar fácilmente accesible; a menudo la tenía ya preparada en un trípode en una esquina del cuarto. También hice fotos ‘para la cámara’, pero cuanto menos forzada era la foto, más podía ignorar la presencia de la cámara.”En sus últimos trabajos, Elina Brotherus ha incorporado nuevos elementos como, por ejemplo, los post-it, a los que ha dedicado una serie de fotos. En la actualidad participa en la exposición Sguardi da nord. Reflecting with Images. Sus obras pueden verse en la Galería Anderson.

Emociones visuales

2008-08-28T11:41:00.000-07:00

Fotografia como documento de obras de arte. Autores de referencia.

2008-08-28T09:11:00.000-07:00

ORLAN

YVES KLEIN

GORDON MATTA-CLARK

CHRISTO

ROBERT SMITHSON

II Aniversario Centro Parraga

2008-08-28T05:56:00.001-07:00

PERFORMANCE

OBRAS DE ARTE EFIMERO

Los pasados días 18 y 19 de octubre de 2007 el Centro Párraga celebró su segundo aniversario llenando todos los espacios del edificio de intervenciones artísticas, desde la terraza hasta las cristaleras, pasando por el ascensor, las escaleras y el resto de espacios del Centro. La fiesta de aniversario se inauguró el día 18 con una recepción y aperitivo a las 20.00 horas, contando con la presencia del consejero de Cultura, D. Pedro Alberto Cruz.

Más del cincuenta por ciento de las propuestas artísticas que colapsaron el Centro tuvieron como protagonistas a distintos artistas murcianos como Sara Serrano, Juan Conesa, Pedro Guiráo, Joaquín Lisón o Pilar Seiquer. Además intervinieron relevantes figuras de la creación artística contemporánea como Dora Catarineu -con “No More Art” y “Tócame lo que quieras menos el corazón”-, “La Cajita de Música” de Cabosanroque o el Colectivo L’motique y su propuesta “Raw”.

AlterArte'07

2008-08-28T04:53:00.000-07:00

La contaminación es mezcla, un entorno puro se ve invadido por elementos externos. Una vez contaminado, el entorno original cambia para no volver a ser nunca el de antes. El conocimiento es mezcla, invasión de conceptos nuevos en una mente pura. Una vez contaminada por el conocimiento, la mente original cambia para no volver a ser nunca la de antes. El arte hoy es contaminación de conocimiento. Con Alterarte Murcia se ve invadida por elementos nuevos. Una vez contaminada con el arte nuevo, todo cambia para no volver a ser la de antes. Contamínate.